Sarà che Antonio Albanese (qui anche regista) è talmente bravo che probabilmente renderebbe affrontabile anche una boiata, ma non si spiega come mai nessuno parli di “Cento domeniche”. Che è bello, sintetico (un’ora e mezzo), non banale e ha un finale “spietato”. Naturalmente nessun premio vinto, il che ovviamente depone a suo favore.

Il protagonista, un Buono Assoluto in pensione, scopre di essere stato truffato dalla propria banca e di non avere più un euro sul conto, proprio quando sta per realizzare il sogno di accompagnare la figlia all’altare.

Un solo appunto: possibile prima di firmare la richiesta di finanziamento non chieda un estratto conto della propria situazione finanziaria? Ok, si fida, ma in banca stanno sul vago quando parla di cifre. Nemmeno una stampa contabile domanda? Uhm…

Sia chiaro: il film è comunque da vedere, fosse solo per ammirare la disinvoltura con cui Albanese passa da recitazione brillante a recitazione drammatica.

Cento domeniche (2023) – di Antonio Albanese

Davvero niente male.

Di sicuro, anche stilisticamente (inquadrature finto amatoriali con aggiustamento dello zoom, colonna sonora nei momenti topici fatta di soli suoni) non passa inosservato.

Insegnante nutrizionista plagia un gruppo di studenti, promuovendo “alimentazione consapevole”.

Il film, serio, fa la cosa più difficile visto lo spunto grottesco e le ridicole divise scolastiche: essere verosimile. E’ satira/denuncia spietata, come dovrebbe sempre essere, non solo sulle mode (alimentari), ma anche sul disinteresse di parecchi genitori verso i propri figli; non manca una scena da voltastomaco, ma è perfettamente coerente con la storia raccontata.

Parlando di attori, brava l’insegnante e quasi tutti i ragazzi plagiati.

Club Zero (2023) – di Jessica Hausner

Ci sono tante cose da dire su questo film, che offre il suo peggio nel titolo (orribile) e nelle scene in aula di tribunale presiedute da Maria Grazia Cucinotta (aiuto).

Innanzitutto, la più importante: si guarda, a tratti è addirittura bello. Bravi e credibili i due protagonisti, Paolo Briguglia (già visto un milione di volte, ma non sapremmo dire dove) e, a sorpresa, Chiara Francini, alle prese con un ruolo drammatico. Scelta azzardata ma azzeccata. Del resto il coraggio non manca al regista, che in epoca di politicamente corretto, propone una vicenda in cui è la moglie cattiva a tentare di sbarazzarsi del marito buono, facendo di tutto per tenerlo lontano dai figli.

Strano la censura non sia intervenuta.

Nel coraggio rientra il montaggio (la vicenda non è raccontata in preciso ordine temporale, scelta discutibile) e pure qualche scena “onirica”, non necessaria.

Ultime due annotazioni: piuttosto forzato il modo in cui lui riesce a collegare i fili della “congiura” (com’è possibile una foto del genere arrivi in carcere?); molto presente una celebre catena di negozi, pure in fondo a destra sulla locandina. Ok, capito, va così il mondo. Ma un po’ infastidisce.

Altri padri (2021) – di Mario Sesti

Inguardabile. Di più. Irritante.

Una bimba ha un amico immaginario, che a un certo punto si scopre essere lo stesso della matrigna e…e basta così perbacco, cosa volete pretendere da una storia simile? Teoricamente è un horror, il problema è che non fa paura e che l’unico decesso (una vecchia dilaniata da un orso di peluche gigante e mannaro, no comment) non viene nemmeno inquadrato dalla telecamera.

Tutto ciò, unito a una durata immotivata (100 minuti), lascia intendere che il film abbia un sottotesto impegnato, che voglia lanciare un messaggio. Quale? Non chiedete a noi.

Omogeneo il cast, nel senso che è tutto scarso, attori maggiorenni e attori minorenni, anche se la protagonista è la peggiore in assoluto.

Impresentabile.

Imaginary (2024) – Un film di Jeff Wadlow

La storia è avvincente, meriterebbe un regista e degli attori un po’ più bravini. Gli attori magari anche un po’ più bellini. Nella deriva politicamente corretta e inclusiva in cui siamo sprofondati, ormai è di gran moda utilizzare attori bruttini, mentre la vita reale, di tutti i giorni, continua a preferire i belli.

Imprenditore pieno di debiti, creduto morto in seguito a un attentato, scompare da tutto e tutti, cambiando vita e permettendo così alla famiglia di rimettersi in piedi con i soldi della polizza sulla vita. Quando, parecchi anni dopo, deciderà di tornare a casa, ad attenderlo troverà una brutta sorpresa.

Finale buono nelle intenzioni, ma non realizzato benissimo.

Una sola, grande, perplessità: dopo l’attentato, in stato confusionale, viene portato al pronto soccorso, medicato e suturato. E’ un momento di caos, ma possibile nessuno registri le sue generalità, cosa che gli renderebbe impossibile fingersi morto?

Riposare in pace (Descansar en paz, 2024) – di Sebastián Borensztein

Però se lo intitoli “Il concerto perduto” non è che puoi farmi aspettare più di mezzora (di elucubrazioni) prima di farmi vedere il concerto di Lucio Dalla a New York nel 1986.

Elucubrazioni che tra l’altro non riguardano direttamente il concerto – se non in minima parte -, ma la canzone “Caruso”, che poi diventerà l’unico singolo dell’album live.

Premesso ciò, il film-documentario è ingiudicabile (elucubrazione a parte), a meno che non si voglia giudicare il concerto, possiamo comunque dire affrontabile anche da chi non è fan sfegatato, per la presenza di tante canzoni che tutti conosciamo.

DallAmeriCaruso-Il concerto perduto (2023) – di Walter Veltroni

Impresentabile.

Ex agente della CIA interpretato da Denzel Washington, che ha 70 anni e si vedono tutti (ma nessuno l’ha spiegato a lui e al regista), dopo una missione di una violenza inaudita in Sicilia si ritrova ferito in uno sperduto paesino; lì troverà modo di scoprire la bellezza dell’Italia meridionale e della pace, sgominando a tempo perso se non l’intera mafia buona parte di essa.

Il film è proprio brutto, da un punto di vista estetico (colpa solo della fotografia?) pare una telenovela serale da pre TG, senza contare che bastano pochi minuti per accorgersi del cortocircuito, innescato dalla sproporzione clamorosa tra la bravura e il carisma dell’attore Washington e l’anonimo (ci stiamo andando leggerissimi) resto del cast, quasi tutto italiano e sconosciuto (ad eccezione di Remo Girone), squilibrio appesantito dal doppiatore di Washington, Francesco Pannofino, che si porta a scuola di impostazione e dizione tutte le altre voci.

Non mancano poi alcune “perle” meritevoli di segnalazione.

Come ti chiami, domanda Remo Girone a Denzel Washington. Lui: Roberto. E’ nero, americano. Si chiama Roberto.

Ma del resto il protagonista pur essendo americano parla benissimo italiano (o in quel paesino siciliano parlano tutti inglese?).

Una cameriera lo invita a mangiare il vero cibo del posto. Vanno in riva al mare e cosa mangiano? Kebab. Benissimo.

A un certo punto nei panni del capo della polizia appare un attore molto simile al comico Adolfo Margiotta (del duo Olcese-Margiotta), e in effetti ogni tanto gli scappa un’espressione o un gesto che fa ripensare vagamente alle telenovele di Chiquito y Paquito (ricordate Avanzi?). Possibile? Possibile, è davvero lui. E il cortocircuito è completo.

The Equalizer 3 – Senza tregua (The Equalizer 3, 2023) – di Antoine Fuqua

Impresentabile.

Un Keanu Reeves a tratti sconcertante è uno scienziato che decide di clonare, in cantina, rubando materiale dalla propria ditta, la famiglia appena morta in un incidente (moglie e tre figli). Per decidere chi non clonare (ha solo tre capsule di clonazione a disposizione), si affida a un sorteggione di fantozziana memoria.

La sceneggiatura è un disastro, va bene che si tratta di fantascienza (forse), ma la logica andrebbe preservata, anche nei film, a cominciare dall’incidente mortale (un ramo che trapassa parabrezza e moglie, abbiamo visto bene?) per proseguire con la zoppicante gestione dell’assenza di defunti per diciassette giorni (il tempo necessario per la clonazione, in pratica frega niente a nessuno di tre persone scomparse, giusto qualche messaggio e qualche bugia) e il successivo ritorno dei clonati (come pensa di gestire col mondo la scomparsa della figlia non clonata?). Mazzata finale, per lo spettatore, l’entrata in scena di una specie di Robocop meno fisicato col cervello clonato di Reeves.

L’abbiamo già scritto all’inizio, ma è passato un po’ di tempo, meglio riscriverlo: impresentabile.

Replicas (2018) – di Jeffrey Nachmanoff

Più che un film una fiaba grondante buoni sentimenti, fastidioso come tutte le fiabe grondanti buoni sentimenti, oltretutto di una lentezza esasperante nell’ultima parte. Si può guardare? Sì, certo. Lo riguarderemmo? Mai, per nessun motivo al mondo.

Un vecchio esce di casa per spedire una lettera a una vecchia amica morente; ma anziché imbucare la lettera, decide di andare a trovarla a piedi, a 800 chilometri di distanza. Quando la storia finirà sui media, avrà pure il seguito di supporter. Nel passato del vecchio c’è un grave trauma, un senso di colpa che cerca di espiare col viaggio a piedi, si scoprirà strada facendo.

E’ un mondo migliore, dove tutti salutano e aiutano il vecchio ancor prima che finisca sui media ed è un perfetto sconosciuto; lui stesso poi trova normale che a un certo punto una signora lo riconosca (lui non sa ancora di essere diventato un caso nazionale) e gli offra da mangiare. Aspettate, lo riscriviamo: sei un signor nessun, a centinaia di chilometri di distanza da casa tua, non sai ancora di essere finito su giornali e tv, una signora sconosciuta ti riconosce, ti dice come ti chiami, ti offre da mangiare e per te ok, tutto normale. Siamo seri?

Indecente il titolo italiano, che trasforma “Il pellegrinaggio improbabile” ne “L’imprevedibile viaggio”. Nulla di grave, non fosse che il vecchio (bravo l’attore che lo interpreta) viene definito il pellegrino, con tanto di magliette dei fan. L’avranno visto il film i titolisti italiani prima di brutalizzare il titolo originale? Mah…

L’imprevedibile viaggio di Harold Fry (The unlikely pilgrimage of Harold Fry, 2023) – di Hettie Macdonald

Si guarda perché è fatto bene e ha bravi attori, ma in realtà dopo una buona partenza perde ritmo e sembra più lungo dei suoi 97 minuti.

Storia del rapporto professionale e personale fra lo scrittore Thomas Wolfe e il suo editor, entrambi completamente assorbiti dal lavoro, a scapito delle famiglie.

Nicole Kidman che dice di non essere più piacente e che solo grazie a Wolfe (Jude Law) torna a sentirsi tale (seriamente?) lascia quantomeno basiti; difficile poi aver voglia di avvicinarsi all’opera di Wolfe dopo aver appreso della sua prolissità e aver ascoltato in questo film diversi passaggi dei suoi romanzi. In tutta onestà non abbiamo mai letto nulla di suo e di certo non lo faremo dopo aver visto “Genius”.

Genius (2016) – di Michael Grandage

Caspita, che bella sorpresa.

Horror italiano con un bel delirio da raccontare e ben raccontato dal regista, con una riuscita atmosfera da incubo, ottimamente condita da un’opportuna durata, pari a quella di una partita di calcio. Unica perplessità sul cast (parliamo in tutto di tre attori), che convince…ma fino a un certo punto. Mettiamola così: più bravo il regista degli attori.

Ragazzina viene cresciuta ed educata in una casa, in mezzo al bosco, dalla madre. Evitiamo di aggiungere qualsiasi altro elemento della trama, per preservare in toto il piacere della visione.

Home education – Le regole del male (2023) – di Andrea Niada

Se siete stanchi degli horror intellettuali in cui non muore e non sanguina nessuno, questo è il film che fa per voi. La trama è semplice pretesto: quattro ragazzi, più un altro paio di malcapitati, trovano il modo di farsi macellare dal maniaco armato di motosega e dalla sua famiglia di psicopatici. L’attesa non è lunga e non resta delusa.

Non ha la stessa eleganza visiva del capitolo precedente (“Non aprite quella porta” del 2003), ma fa il suo lavoro, senza fronzoli. Che poi questo sarebbe il prequel del precedente, anche se è uscito tre anni dopo, ma in fondo chissenefrega, non c’è niente da capire, non occorre l’attivazione cerebrale. Grazie al cielo.

Non aprite quella porta – L’inizio (The Texas chainsaw massacre: The beginning, 2006) – di Jonathan Liebesman

Bruttino.

Due disperati si aggregano a un gruppo di attivisti ecologisti, un po’ per convenienza, un po’ perché uno dei due è innamorato di un’attivista.

Detto che si tratta di una commedia con un finale poetico insopportabile, sorgono spontanee un paio di domande: una vicenda del genere merita di essere raccontata in un film? No, certo che no. Ma soprattutto: ammesso che uno trovi interessante una storia del genere, potrà mai durare 110 minuti? No, certo che no.

Si ride pochino, solo una volta sul serio, quando la babbiona molesta uno dei due disperati, quello più bravino, parlando di attori (l’altro non lascia traccia); momento di sconforto la comparsa, nella colonna sonora, di quel capolavoro che è “The End” dei Doors. In un film del genere? Scherziamo?

Un anno difficile (Une année difficile, 2023) – di Olivier Nakache e Éric Toledano

Carino. Ma il primo pensiero, giunti ai titoli di coda, è che con un racconto del genere (e alcuni dialoghi “fulminanti” alla Woody Allen) a disposizione, questo film avrebbe potuto essere bello o bellissimo, non soltanto carino.

Giovane regista sufficientemente matto si ritira in campagna, con le sue paranoie e i suoi collaboratori più fidati, per concludere l’ultimo film.

Il protagonista è bravino, ma non bravissimo e con una faccia un po’ troppo pulita; le situazioni divertenti/improbabili non mancano e sono il bello della vicenda. Che ci sia del buono lo dimostra il fatto che alcune scenette tornano in mente dopo, a visione conclusa.

Lascia invece parecchio perplesso l’oggetto (un diario rinominato “Il libro delle soluzioni”) che dà il titolo al film, non necessario e solo a tratti tirato in ballo dal protagonista.

Il libro delle soluzioni (Le livre des solutions, 2023) – di Michel Gondry

Si potrà mai muovere anche solo un appunto a un film (per la tv) tratto dall’omonima commedia/dramma di sua maestà Eduardo De Filippo? Beh, sì. Tutto bello e fatto bene, eh, intendiamoci… ma non leggerissimo e piuttosto lento nella seconda parte (forse le due cose sono la stessa, in realtà). Tenuto conto che il film dura un’ora e tre quarti, una sforbiciata di una decina di minuti forse più che togliere avrebbe aggiunto, al risultato finale.

Storia di miseria e di contrabbando ai tempi della seconda guerra mondiale, a Napoli. Nulla da ridire sui coniugi protagonisti, Massimiliano Gallo e Vanessa Scalera.

Napoli milionaria! (2023) – di Luca Miniero

Con un’ultima parte disastrosa, il film passa nel giudizio da carino/gradevole a irricevibile.

L’impronunciabile Jake Gyllenhaal (sempre sia lodato il copia/incolla del suo nome), fisicatissimo, è un ex lottatore di MMA che trova impiego in un locale turbolento, in realtà al centro di una speculazione edilizia o una roba del genere. Dovrà menare parecchia gente per risolvere tutto.

Premesso che non si capisce perché il tormentato Gyllenhaal, con un grave trauma nel passato sportivo, passi tutto il tempo a fare lo sguardo un po’ da piacione e un po’ da monaco serafico, il film è da esaltati ma fatto bene, si guarda. Ma come detto è l’ultima parte, caciarona e troppo lunga (il film dura due ore senza averne motivo), che lo rovina: gente che svolazza di qua e di là in mare, non solo per un’esplosione, resa dei conti con accoltellamento alla pancia…ignorato (nemmeno sanguina), poliziotto corrotto che copre l’eroe e non reclama i soldi (doppio perché?), eroe che lascia un mucchio di soldi a un commerciante del paesello (quanto pensi impiegheranno a scoprirlo e a menarlo?)…

Peccato, ripensando alla prima ora e mezzo.

Da segnalare la presenza di un lottatore vero di MMA, Conor McGregor, nella riuscita interpretazione di uno psicopatico antagonista dell’eroe.

Road House (2024) – di Doug Liman

Alti e bassi, nell’ambito dell’intrattenimento violento senza pretese (è un complimento, sincero), in un film che offre il suo meglio nella parte centrale e potrebbe complessivamente durare un po’ meno.

Ex agente della CIA, ora tassinaro, risolve problemi per hobby, preferibilmente deformando e massacrando criminali; col suo comportamento si metterà nei guai coi cattivoni seri.

L’inizio è problematico, Denzel Washington (sempre bravissimo al pari del doppiatore Francesco Pannofino) col barbone posticcio fa morire dal ridere, non si resiste; lui spacca ossa e tu ridi guardando la barba. E’ un problema.

La resa dei conti finale coi cattivoni poi è troppo lunga, tanto l’esito è scontato.

Il resto è un film che si può tranquillamente guardare e che propone curiosamente la figura di questo Buono Assoluto vagamente (mica tanto vagamente) sadico nell’infliggere punizioni. Non si capisce perché solo una volta cronometri le sue prodezze e tutte le altre no, forse si tratta di un richiamo al primo film della serie, forse bisognerebbe chiedere a regista e/o montatore, ma non è importante.

The Equalizer 2 – Senza perdono (The Equalizer 2, 2018) – di Antoine Fuqua

Non necessario e sufficientemente fastidioso.

Solita commedia sboccata all’americana, che nel caso specifico non ha ragione d’esistere, visto che esistono già Full Monty e Magic Mike.

Giovane aspirante mago parte alla conquista di Las Vegas, dove invece si ritrova a fare lo spogliarellista. Il tutto mentre la sua amata sta per sposare un altro.

Il 90% delle “battute” (virgolette d’obbligo) sono a sfondo sessuale, il protagonista è scarsino e bruttino, la durata (più di un’ora e tre quarti) indispone. Aggiungete che a un certo punto la tizia amata dal protagonista non lo riconosce mentre le si struscia contro, solo perché lui ha una maschera che gli copre gli occhi (nemmeno il volto). Dai tempi di Superman-Clark Kent non si vedeva una sciocchezza simile.

L’unica ancora di salvezza di un filmaccio simile potrebbe essere un finale sorprendente, tipo la tizia amata dal protagonista che si sposa davvero con un altro.

Sì, ciao.

Back on the strip (2023) – di Chris Spencer

Irricevibile.

Due ore di film con una trama inutilmente incasinata, diversi passaggi poco logici, e un protagonista che assomiglia un po’ a Robin Williams e un po’ ad Andrea Pucci. Attenzione poi a non confondere l’atmosfera cupa con la fotografia scura.

La trama, al netto delle complicazioni, sarebbe anche carina. E infatti l’inizio si può guardare: un ragazzino in fuga viene trovato con il passaporto di un uomo scomparso quattro anni prima e accusato di pedofilia.

Il problema è che l’impalcatura scricchiola paurosamente. Qualcosa può essere sia sfuggito a noi, ma le domande sono davvero tante: perché il ragazzino ricompare col passaporto del tizio? Ok, ha visto qualcosa di troppo, ma dove l’ha preso e perché? Perché cercano un cadavere in un laghetto di notte? Non possano aspettare la mattina dopo? Come fa la tizia in un minuto (cronometrato) a passare dal balcone, dove sta fumando una sigaretta, alla vasca da bagno con le vene tagliate, nel tempo che impiega la polizia a bussare ed entrare? O il montaggio non chiarisce che si tratta di due sequenze distinte? Possibile il responsabile di tutto il complotto nasconda il cadavere a un passo dalla sua proprietà? Possibile facciano così presto a smontare le accuse di pedofilia? Perché nessuno l’aveva fatto quattro anni prima? Tutti corrotti?

Ma soprattutto: perché il titolo originale è “L’effetto Marco” (il nome del ragazzino) e il titolo italiano è “L’effetto farfalla”?

L’effetto farfalla (Marco effekten, 2021) – di Martin Zandvliet

Improponibile.

Due vecchie, due meno vecchie e un bambino che non parla vanno in gita parrocchiale a Lourdes, con diverse motivazioni (ma volete che il bimbo, alla fine, non parli?); la trasferta si rivelerà occasione per sistemare vecchie ruggini e incomprensioni, tutte poco avvincenti, tra le due vecchie e una meno vecchia.

Dura meno di un’ora e mezzo che paiono almeno il triplo, tanto è snella la visione di un film che vorrebbe far sorridere e, immaginiamo, pure far riflettere e magari strappare addirittura una lacrimuccia, con qualche bella filosofeggiata spicciola in quel di Lourdes sul senso della vita e della fede.

Non si vede l’ora di arrivare ai titoli di coda.

The miracle club (2023) – di Thaddeus O’Sullivan